"DOS HOMBRES VAN A LA GUERRA"  |
martes, 26 de diciembre de 2023
lunes, 28 de febrero de 2022
sábado, 30 de octubre de 2021
jueves, 30 de septiembre de 2021
miércoles, 30 de junio de 2021
domingo, 30 de mayo de 2021
viernes, 30 de abril de 2021
“MESSAGE FROM THE KING “DE FABRICE DU WELZ
La tenacidad de alguien que se cuida los dientes
"Seguir la trayectoria vital de Fabrice du
Welz, el director de Message from the King (2016), es seguir la
pista de un realizador que comenzó estudiando Arte Dramático en Bélgica y que
hizo sus prácticas en el Instituto de Cine de Bruselas, que dirigió un buen
número de proyectos en Super 8 y que colaboró haciendo sketches para la televisión,
que quiso sacar adelante un proyecto más ambicioso titulado Colt 45 y se vio
limitado en sus medios técnicos, económicos y personales.
Su siguiente empresa cinematográfica
llevaba por título Alleluia y, por si no había quedado suficientemente claro lo
que le interesaba, esta película ponía sobre la mesa todas las pistas ya que no
era sino una versión de Los asesinos de la luna de miel de Leonard Kastle
(1970) y Lonely Hearts de Todd Robinson(2000), que
a su vez estaba basada en una historia real de un hombre y una mujer que se
dedican a engañar a mujeres solteras y viudas para robarles y acabar con ellas.
En la versión de Du Welz la protagonista femenina era la actriz española Lola
Dueñas y con este trabajo el realizador de origen belga estuvo en el festival
de Cannes.
Así que con este itinerario vital, nada
atípico en un cineasta europeo contemporáneo, en 2015 du Welz llega a EEUU
donde puede poner en marcha un proyecto con mayor presupuesto, un poco más
acción e importantes dosis de violencia. Message from the King está rodada en
los Ángeles, aunque su protagonista es un hombre de color que llega desde
Suráfrica para lo que parece ser una misión personal, una venganza que tendrá
como telón de fondo los acontecimientos vividos por su hermana, una mujer
llamada Bianca que se fue a Los Ángeles años atrás y cuyo destino quedó marcado
por el peligroso entorno del que se rodeó.
King no es sino el apellido de este ángel
exterminador que está dispuesto a hacer justicia, al menos la que esté a su
alcance. En sus investigaciones llegará curiosamente hasta la consulta de un
dentista, el doctor Wentworth, con el que mantiene más de una conversación
interesante. La primera de ellas, como no podía ser de otra manera, es la que
tiene lugar en la misma consulta cuando King se hace pasar por paciente para
realizar la toma de contacto. Detrás de él, en la sala de espera, un enorme
cartel con una chica de gran sonrisa que contrasta con la tragedia que el
protagonista carga sobre sus hombros y que le llevará a no esbozar ni el más
leve gesto de alegría en toda la película. Una vez en el interior de la
consulta el dentista constata lo poco que al paciente le gusta rellenar
formularios, “como me pasa a mí”, le dice, y se entera de que está allí por
recomendación de su hermana Bianca. “¿No la recuerda? También me dejó otra
cosa, la estoy cuidando por usted”. Por si no había quedado claro que el
dentista era, como ocurre en muchas ocasiones, el malo de la película, este
paso de King por su consulta lo evidencia del todo.
Las siguientes frases del dentista no
dejan duda de la personalidad que le han dedicado los guionistas: es un hombre
frío, calculador, que no tiene inconveniente en meterse con la hermana de su
paciente pese a saber que está muerta, y que entiende que, como no podría ser
de otra forma, lo que King busca es dinero. El doctor Wentworth es
ambicioso y calculador y combina su profesión de dentista con otros encargos
fuera de la ley. Su conversación con King, que proseguirá en una cafetería, una
vez que se ha visto que aquello no era una visita profesional, contiene algunas
frases como “casi siempre se trata de dinero” o “un americano medio gasta unos
diez mil dólares a lo largo de su vida en sus dientes, en esta ciudad cuatro o
cinco veces más”. Y, finalmente, realiza una comparación entre los ginecólogos
y los dentistas que, al menos desde su punto de vista, le proporciona la
convicción de que el desarrollo de su profesión le convierte en un ser
todopoderoso capaz de obtener la confianza de quienes se ponen en sus manos.
A lo largo de Message from the King queda
claro que el doctor Wentworth, además de tus tejemanejes y sus trampas y
chantajes, va repartiendo enseñanzas y consejos a los personajes más
inverosímiles. De ahí que uno de ellos, cuando le abra la puerta de la mansión
de un rico productor de cine en cuya casa ha tenido lugar la tragedia de
Bianca, lo primero que le diga sea: “Uso hilo dental como dijo”. El problema es
que junto a estos consejos sanitarios el dentista no pierde el tiempo y se
dedica a aprovecharse: “Eres un chantajista”, “No eres más que un puto
dentista”, “Me estás exprimiendo”, serán algunas de las acusaciones que le proferirá
el productor. Pero él mantiene la calma y se dedica a observar no solo a
quienes le rodean sino también su dentadura. Por eso sabe que King no parará en
su empeño y tendrá que acabar con él antes de que él se le adelante: “Éste no
es como su hermana”, le dice el dentista al productor de cine. “Sus dientes son
distintos. Él se cuida. Puede decirse mucho por los dientes de alguien”. Y
efectivamente, lo que asegura el doctor Wentworth es que alguien que
se cuida los dientes es tenaz y no deja sus empeños tan fácilmente.
INTÉRPRETES: Chadwick Boseman, Teresa Palmer, Luke Evans, Alfred Molina, Tom Felton, Natalie Martinez, Kirsty Hill, Dale Dickey, Ava Kolker, Drew Powell, Chris Mulkey, Jake Weary, Michael Patrick McGill, Madeleine Wade, Tom Wright, Joe Seo; , / PRODUCTORA: Co-production Reino Unido-Francia-Bélgica-Estados Unidos; The Ink Factory, Entre Chien et Loup, Entertainment One (Distribuidora: Netflix); / NACIONALIDAD: Reino Unido /
DURACIÓN: 102 MINUTOS
DURACIÓN: 102 MINUTOS
domingo, 28 de febrero de 2021
"MASH", DE ROBERT ALTMAN Un dentista en medio de la guerra de Corea | ||
"En 1970 Robert Altman, el director de Vidas cruzadas (1993) o Gosford Park (2001), empezaba a ser reconocido en el mundo del cine. Fue entonces cuando dirigió esta película que pretendía ser una adaptación de una novela escrita dos años antes por Richard Hooker, (“MASH: Una novela de tres médicos del ejército”), aunque en manos del guionista Ring Lardner Jr. el trabajo literario pasó a un segundo término y adquirió una nueva dimensión. Entre las anécdotas del rodaje se cuenta la mala relación de Altman con los dos principales protagonistas, Donald Sutherland y Elliott Gould. Así que seguramente M.A.S.H. acabó siendo un empeño bien diferente del que se proponía cuando comenzó el proyecto. Pese a todas las dificultades, la realidad fue que la película se hizo con el Oscar al Mejor Guión Adaptado y que otro filme bélico, Patton de Franklin J. Schaffner, le privó de recoger otras tres estatuillas, a pesar de que había recibido varias nominaciones más. La historia de M.A.S.H. se compone a modo de episodios lo que hace que cada fragmento del filme funcione en sí mismo, aunque los protagonistas se interrelacionen. Compartimentar historias, compartir personajes y entrelazarlos nunca ha sido algo ajeno al hacer de Altman como realizador. Aquí el espacio común es el Hospital Quirúrgico Móvil 4077 (de cuyas iniciales se extrae el título de la película) y el contexto la guerra de Corea. La propia estructura de la película facilitó que, un par de años más tarde, se creara una serie de televisión que duró once temporadas y que solo compartiría con la película a un actor, Gary Burghoff, que interpretaba al Cabo Radar O’Reilly. La acción de M.A.S.H. tiene lugar en el año 1951, durante la guerra de Corea, y el tono en el que se mueve oscila entre la comedia, el humor negro y la crítica a algunas situaciones realmente absurdas que se viven en el día a día de un conflicto bélico. La historia comienza cuando los capitanes Hawkeye Pierce y Duke Forrest son trasladados al Hospital 4077. Ambos comparten tienda con el Mayor Frank Burns, un hombre religioso y un incompetente cirujano que pronto conseguirán que sea relevado por el Capitán John McIntyre, el Trampero, un cirujano de tórax imprescindible en la unidad. La serie de personajes va creciendo con la aparición de la Mayor Margaret O’Houlihan, Enfermera Jefe y de toda una colección de personal sanitario entre los que no falta la presencia del capitán “Painless” (“Sin Dolor”) Waldowski. El apodo de “Sin Dolor” para un dentista no es ninguna novedad en el mundo del cine ni en el de la odontología. Así le llamaban a Bob Hope en “Rostro Pálido” (1948), y así era conocido uno de los pioneros de la odontología, “Painless Parker”, un extravagante dentista que llevaba al cuello un collar con 357 dientes que decía haber extraído en un solo día y que llegó a hacer de la profesión de dentista un espectáculo casi circense. La historia que protagoniza “Sin Dolor” en la película de Altman tiene que ver con su intención de suicidarse, una decisión que se plantea cuando le surgen numerosas dudas en torno a su sexualidad. Unas mágicas “cápsulas negras”, que no son sino un placebo a base de pastillas para dormir, unido a la capacidad para las bromas de quienes le rodean, resuelve las dudas de “Sin Dolor” que preferirá definitivamente estar vivo y seguir compartiendo su día a día con el grupo que le rodea. John Schuck es el actor encargado de dar vida al dentista del filme. Una de las notas curiosas de la película tiene que ver no solo con la presencia de “Sin Dolor” sino con la canción que acompaña su participación en el filme y que lleva por título "Suicide Is Painless". Altman tenía claro que debía ser una canción con poco sentido, ya que las motivaciones que le llevan a “Sin Dolor” a querer suicidarse tienen poca consistencia. Por eso, le encargó a su hijo de 14 años que le pusiera letra. El chico la escribió, según ha pasado a la historia, en cinco minutos y, pese al poco esfuerzo invertido, la realidad fue que acabó siendo el tema principal de la película y que Altman llegó a reconocer que él había conseguido ganar 70.000 dólares por dirigir la película y su hijo un millón por la canción. “Suicide is Painless” también suena en la serie y su estribillo viene a decir: “Entonces esto es todo lo que tengo que decir. Todo lo que tengo que decir es que el suicidio es indoloro, trae muchos cambios, y puedo tomarlo o dejarlo si me place. La única forma de ganar es haciendo trampa, dejándolo antes de que me venza. Y a otro le doy mi asiento”. Así “Sin Dolor”, el dentista de M.A.S.H. opta por la vida, algo que tiene realmente un mérito añadido, sobre todo porque este canto a la supervivencia se entona en el interior de un hospital, rodeado de gente que pelea a diario por salvar vidas y en medio de una guerra.
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domingo, 31 de enero de 2021
NOVENO FESTIVAL DE CINE Y DENTISTAS ORGANIZADO POR EL COLEGIO OFICIAL DE DENTISTAS |
Los próximos días 3 y 5 de febrero tendrá lugar en Pamplona
(CIVICAN) la novena edición de nuestro festival. Este año debido a la pandemia
del covid _19 presentamos un formato reducido. Nos ha parecido mejor esta
opción que anularlo. El Festival tendrá
lugar respetando las normas de aforo y las medidas de seguridad que todos
conocemos.
Presentaremos dos películas; la primera de ellas será: “El doctor
Arrowsmith”, Arrowsmith
(1931) Esta película está protagonizada por un médico sin embargo este médico ejerce también como dentista y de ahí nuestra decisión de proponer este film. DIRECCIÓN: John Ford GUIÓN: Sidney Howard (Novela: Sinclair Lewis) INTÉRPRETES: Ronald Colman, Helen Hayes, Richard Bennett, DeWitt Jennings,
Beulah Bondi, Myrna Loy, A.E. Anson FOTOGRAFÍA: Ray June (B&W) MÚSICA: Alfred Newman NACIONALIDAD: EE.UU. DURACIÓN: 101 minutos “No disparen, soy dentista”, The In-Laws (1979) DIRECCIÓN: Arthur Hiller GUIÓN: Andrew Bergman INTÉRPRETES: Peter Falk, Alan Arkin, Richard Libertini, Nancy
Dussault, Penny Peyser FOTOGRAFÍA: David M. Walsh MÚSICA: John Morris NACIONALIDAD: EE.UU. DURACIÓN: 103 minutos  |
lunes, 30 de noviembre de 2020
"SOBRE LO INFINITO",
DE ROY ANDERSSON
DE ROY ANDERSSON
El dentista sueco que soporta un mundo fantástico
"La existencia, el dolor, la singularidad de los seres humanos y
las preguntas que algunas personas se
plantean algunas veces en sus vidas: esos son algunos de los temas que parecen
interesar especialmente al realizador sueco Roy Andersson en sus últimas
producciones cinematográficas, y que se ponen claramente en evidencia en su
última película, “Sobre lo infinito”, en la que, entre otras cosas, dedica uno
de los capítulos a un dentista.
Andersson nació en Gotemburgo (Suecia) en 1943 y sus primeras aproximaciones al cine se centraron en temáticas mucho más realistas y costumbristas que las que han inspirado su cine del siglo XXI. Entre aquellos principios y su cine de la actualidad median cientos de anuncios publicitarios, una tarea que ha llevado a cabo con auténtica maestría, hasta el punto de que Ingmar Bergman lo considerara “el mejor realizador de anuncios de todos los tiempos”. Claro que cuando le han preguntado por ésta afirmación a Andersson él, de manera reconocidamente incorrecta y posiblemente con cierta dosis de humor, ha asegurado que la mejor película del autor de El séptimo sello era peor que sus anuncios.
De cualquier forma lo que sí ha hecho Andersson ha sido combinar esos maravillosos anuncios con una producción cinematográfica altamente personal. En 2000 Roy Andersson decidió emprender una Trilogía sobre la existencia, compuesta por Canciones del segundo piso (2000), La comedia de la vida (2007) y Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia (2014). Ahí podía haberse quedado todo, porque en esos tres títulos ya parecía haber quedado claro lo que el realizador sueco piensa de la condición humana, pero en 2018 decidió salirse de los límites de la trilogía anunciada y añadió al proyecto un título más: Sobre lo infinito.
Contemplar el cartel de Sobre lo infinito lleva directamente a pensar en artistas como Chagall. En él una pareja abrazada sobrevuela los tejados de una ciudad en ruinas. Pero esa secuencia no es sino uno de los muchos referentes artísticos que componen el filme. Porque así está dividido Sobre lo infinito, en una colección de secuencias a modo de cuadros que nos llevan de Chagall a Hopper y que nos hacen pensar en el mundo del arte a través de composiciones hieráticas y pensadas e iluminadas hasta el más mínimo detalle. Los interiores que compone Andersson son ambientes fríos, casi congelados, con una luz mortecina y azulada. Los exteriores resultan igual de fantasmagóricos y los personajes se mueven a cámara lenta preguntándose en voz alta por el sentido de la vida, por la pérdida de su fe, o simplemente expresando a gritos que la vida es fantástica mientras alrededor una serie de personajes abatidos y quietos apenas si se inmutan.
Precisamente es en esa secuencia en la que resuenan unos gritos de felicidad que difícilmente expresan lo que dicen, donde podemos ver a un hombre algo desaliñado, con una bata blanca desabrochada y con la mascarilla por debajo de la barbilla. En el interior de ese bar en el que un hombre repite que la vida es maravillosa aparece ese dentista más aficionado a la bebida que al desarrollo de su profesión. Andersson ha creado para él un espacio especial y lo retrata en el bar mostrando su afición a la bebida y evidentemente abatido. Pero ese doctor sin nombre también aparece en su consulta. Allí un paciente nervioso y aterrorizado con las agujas se niega a utilizar anestesia, aunque tampoco podría soportar una intervención sin ella. La situación acaba con la paciencia del dentista que decide rebelarse contra él y opta por marcharse y dejarlo allí. El realizador sueco combina el drama y la comedia para fotografiar una situación que supera a sus principales protagonistas. Sobre el infinito presenta así un mundo totalmente desesperanzado aunque, de vez en cuando, Andersson regale al espectador algunos detalles tiernos como el de ese padre que se agacha pausadamente para atarle el zapato a su hija pequeña.
Thore Flygel interpreta al dentista en Sobre el infinito. Andersson ha creado para él unas secuencias específicas e inolvidables, y lo mismo que hace con el dentista sin paciencia ni tacto ante un paciente problemático, repite con un sacerdote que pierde la fe y acude llorando al psiquiatra, ante el menosprecio del profesional y de la enfermera que consideran que ya es hora de cerrar la consulta y le acompañan a la puerta a pesar de los gritos y sollozos del paciente. Queda claro que Sobre lo infinito se agarra a los detalles, a algunos problemas cotidianos de un primer mundo que parece adentrarse cada vez más en el surrealismo, y entre sus personajes ese dentista anónimo forma parte de esa sociedad que va mostrando ante el espectador los dolores del cuerpo y también los del alma.
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| TÍTULO ORIGINAL: Om det oändliga / DIRECCIÓN Y GUIÓN: Roy Andersson / FOTOGRAFÍA: Gergely Pálos / INTÉRPRETES: Martin Serner, Jessica Louthander, Tatiana Delaunay, Anders Hellström, / PRODUCTORA: 4 1/2 Film, Roy Andersson Filmproduktion AB / NACIONALIDAD: SUECIA / AÑO: 2019/ DURACIÓN: 76 MINUTOS |
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